Interview 2017
김장언 (이하 김) : ‘room’이라는 단어에 대해서 이야기를 먼저 시작해 보면 어떨까 합니다. 2010년도에는 베르메르(Johannes Vermeer)의 회화, <아틀리에에서의 화가(Painter in his Studio)>(1665–1668)와 벨라스케스(Diego Velázquez)의 <시녀들(Las Meninas>(1656)의 그림에서 인물들을 제거한 이미지를 보여주면서 ‘room’이라는 제목을 부여했습니다(<The Room I, II>(2010). 두 그림은 풍부한 알레고리를 담고 있는데, 하나의 공간으로서 방에 주목한 것 같습니다. 그리고 물리적인 공간으로서 방을 탐구하는 것 같습니다. 어떻게 해서 방이라는 공간에 주목하게 되었는지 궁금합니다.
도수진 (이하 도) : 공간에 대한 관심은 <The Rooms>(2010)라는 작품을 기획하며 시작 되었습니다. 이 작업은 제가 살아 왔던 13개의 각기 다른 지역의 방들을 건물에서 분리하여 모델로 제작한 뒤 하나씩 쌓아 올려 만든 작업 입니다. 방은 개인의 사건과 상황을 간직한 장소이며 과거와 이어진 지금의 자신(정체성)을 확인할 수 있는 기억의 매개체라고 생각 했습니다. 저는 지나간 시간들을 떠올릴 수 없어 불안해하던 시기, 예전에 살았던 방들을 통해 다시 기억을 되찾아 심리적으로 매우 안정감을 얻은 적이 있습니다. 이러한 의미에서 저에게 방은 물리적인 공간에 대한 관심이라기보다 건축 공간 속에 스며든 개인의 기억에 관한 관심이며 그것을 통해 자신을 재인식 하고자 하는 의미를 내포하고 있다고 생각합니다. <The Room I, II>(2010)의 작업에서는 잘 알려진 두 그림에서 인물을 제거하여 빈 공간 자체가 주인공처럼 보이게 만들고자 했습니다. <시녀들(Las Meninas>(1656)에서의 공간은 17세에 죽은 카를로스 왕자의 방으로 그 후 화가의 작업실로 사용 되었으며 그림에 등장하는 마르가리타 공주의 초상과 국왕 부부의 초상이 제작 되었던 장소라고 알고 있습니다. <아틀리에에서의 화가(Painter in his Studio)>에서 베르메르는 그림 속 공간과 지도, 종이, 샹들리에 등의 사물을 통해 네덜란드의 특정한 역사적 사건을 언급하고 그에 관한 자신의 역사 인식을 보여주려고 했습니다. 두 장소 속 화가의 아뜰리에는 작가의 독창적인 작업과정, 화가로써의 자긍심, 역사적 사건들을 기억하고 있습니다. 인물이 사라진 그림에서 오히려 공간이 사건을 기억하고 있는 주체로 강조하며 동시에 인물이 없어도 이 그림들에서 사건의 앞뒤 시간을 암시 하거나 상상 할 수 있을지를 실험해 본 작업입니다.
김 : <The Rooms>(2010)와 <The Floating Rooms>(2011), <The Blocks>(2013)에서는 언뜻 집과 같은 방의 구조물이 수직으로 쌓여져 있는데, 특별한 이유라도 있는 것인지요?
도 : <The Floating Rooms>(2011), <The Blocks>(2013)는 <The Rooms>(2010)의 연작이며 모두 유년기부터 한때 살았었던 방들을 재구축한 작품입니다. 전체 혹은 선별된 방들을 원래의 건축으로부터 분리하고 콜라주처럼 떼어낸 공간들을 다시 축적시키는 과정을 통해 기억의 아카이브이자 탑과 같이 쌓여진 형태의 개인의 기념비로 제작 하였습니다. 각기 다른 시간과 기억을 담고 있는 공간을 수직적으로 쌓아 올린 구조를 통해 작가의 정체성을 보여주는 모뉴멘트나 화가의 자화상과 같은 역할을 하리라 기대 했습니다.
김 : <고시원>(2014)은 축소된 방의 구조물과 월텍스트로 이루어진 작업입니다. 이 작업을 어떻게 진행하게 되었는지 궁금합니다.
도 : 아파트, 교회, 모텔과 같은 건축물들을 관찰할 때면 이 사회의 구조와 가치관이 새롭게 재인식 되고는 합니다. 고시원 역시 우리나라에 존재하는 특징적 건축물입니다. 시험이나 고시를 준비하던 수험생을 위한 원래의 목적은 변질되고 저임금 노동자와 노인 등 저소득층의 불안정한 주거시설이자 때로는 창문 하나 허용할 여유조차 없는 밀집된 이곳에 붙여진 이름들(뉴캐슬, 골든빌, 프라다, 위캔두, 명성...)의 모순이 시선을 끌었습니다. 나란히 앉아 같은 곳을 바라보고 있는 듯한 반복된 방들의 구조와는 달리 그 안의 개인은 섬처럼 고립되어 서로가 자신의 이야기를 숨긴 채 눈 마주치기 조차 꺼린다는 것을 알게 되었습니다. 과거 쪽방이나 여인숙, 비닐하우스촌으로 불리던 공간들의 또 다른 형태인 고시원과 성공이나 성취, 이질적이고 이상적으로 붙여진 이름들을 나열하여 대비시킨 작업으로 실제와 이상 사이에 존재하는 간극을 표현하려 했습니다.
김 : 한편으로 <Motel Paradise>(2014)는 고시원과 다르게 모텔의 방을 구획하는 장치 없이 모텔의 구성요소들을 배열합니다. 방과 공간 그리고 그 공간을 구성하는 사물들에 대한 관심의 변화가 일어난 것인지 궁금합니다.
도 : 일반적인 모텔 건축의 외관은 멀리서도 잘 보일 수 있도록 네온과 장식으로 꾸며지거나 이상적인 단어들로 이름 지어져 있습니다. 유럽과 아랍에서 볼 수 있는 성곽이나 정의할 수 없는 양식의 파사드를 가지고 있는 곳도 있습니다. 이와 다르게 주차장과 내부 구조는 굉장히 폐쇄적입니다. 이러한 양면성을 표현하는데 있어 공간 자체를 구축하기 보다는 모텔 건축을 암시하거나 상징하는 주차장 가리개, 야자수, 원형침대와 같은 특징적 오브제들을 선별하여 공간을 구성하는 것이 더 효과적이라고 생각했습니다. <고시원>과 <Motel Paradise>는 주제에 따른 표현 방식이나 설치 구성이 조금씩 다르다고 볼 수 있지만 근본적인 공간에 대한 인식 변화는 크게 없었던 것으로 기억합니다.
김 : <Yellow Sunshine>(2012)에서는 방에 스며드는 빛에 대한 작업인지요?
도 : 네. <Yellow Sunshine>은 3차원의 현실 공간에 평면 위에 그림을 그리 듯 노란 빛을 그려 넣었습니다. 2차원적으로 칠한 색이 3차원 공간에서 서로 교차되어 보여 지는 방식으로 실제 주거 공간이었던 곳에 제작한 작업 입니다.
김 : 한편으로 작업에서 시점에 대한 관심이 있는 것 같다는 생각도 듭니다. <Up on the Roof>(2013)은 시점에 대해서 본격적으로 진행한 실험처럼 생각됩니다. 물론 앞서 질문드렸던 <Room I,II>도 시점과 관련된 관심이 좀 드러나기도 합니다. 그리고 자기를 본다는 측면에서 <Narcissus’s Lake I,II>(2011/12)와도 연관될 수도 있을 것 같습니다. 공간에 대한 탐구로서 시점은 어떻게 의미화되는지요?
도 : 각 작업은 분명 다른 시점을 가지고 있습니다. <The Rooms>는 멀리서 전체적으로 조망하는 시점을 가지고 있고 <Up on the Roof>(2013) 내부로 들어가 들여다보는 시점으로 제작 되었습니다. <Room I,II>는 공간에서 의미를 가지는 인물을 제거함으로써 공간이 기억을 저장하는 형태로 재구성하였습니다. <Narcissus’s Lake I,II>에서는 자신과 연관성이 없는 빈 공간에 의미를 이식하고 부여하고 그것을 관찰 하도록 하는 작업이라고 할 수 있습니다. <The Rooms>의 기념비적인 형태 외의 몇몇 작업들은 자기 내부를 들여다보는 시점을 가지고 있습니다. 이러한 시점들은 공간에 저장된 기억을 추적하여 자신을 찾아가거나 인식하려는 또는 규정하려는 태도가 무의식적으로 투영된 것이 아닌지 생각해봅니다.
김 ; 몇몇 작업의 표현방식에서 마이클 크레그-마틴(Michael Craig-Martin)의 영향을 느낄 수 있습니다. 이러한 시각언어가 자신의 작업에서 어떠한 효과를 만들어 낸다고 생각하시는지요?
도 : 독일 뮌스터에 위치한 “ 트레펜 하우스/ Treppenhaus ” 에서 진행된 전시에서 이러한 작업을 처음 시도하게 되었습니다. 유리 외벽에 썬팅지로 이미지를 붙이고 빛의 방향에 따라 낮에는 외부에서 건물 내부로, 밤에는 내부에서 외부로 투과시켜 보여주는 형식이었습니다. 정면이 유리인 특징적인 건축물에서 (추상적인 문양으로도 표현되기도 하나) 성인이나 성서의 일화 등 구체적 이야기를 다루는 스테인드 글래스의 내용과 형식은 단순화 시킨 방의 이미지와 강렬한 색감으로 개인의 이야기를 풀어내는데 효과적이었다고 생각 합니다. 그러한 과정에서 마이클 크레그-마틴(Michael Craig-Martin) 뿐 아니라 로이 리히텐슈타인 (Roy Lichtenstein), 줄리안 오피 (Julian Opie)의 단순화된 형태와 컬러의 표현 방식을 수용 하였습니다. 이후 태화강에서 진행된 프로젝트인 <부유하는 집>에서 이러한 팝아트적인 형식으로 제작된 작업을 찾아 볼 수 있습니다. 움직이는 형태의 구조물은 주위의 자연이나 현실의 풍경과 강하게 대조를 이루며 그려진 회화 이미지를 함께 전달하는 효과가 있었다고 생각합니다.
김 : <좋은게 좋은것>은 이번에 처음 선보이게 됩니다. 이 작업을 생각하게 된 이유가 무엇인지 궁금합니다. 앞서 작업들과 어떤 연결과 단절이 있는지도 궁금하군요.
도 : 지금까지 진행해 온 작업들은 주로 공간을 소재로 하고 있습니다. 개인의 기억이 저장되거나 사회의 가치관이 반영된 장소로 공간을 인식하고 분리, 재배열 하는 과정을 통해 개인과 사회의 경계를 오고 가며 구성해 왔습니다. 실재와 환영이 뒤섞인 현재의 기념비와도 같은 건축물과 특정 공간을 차용하며 모순과 부조화를 표현하고 그 지점이 현실이 아닐까 하는 고민들을 반영하기도 했습니다. <좋은게 좋은것>은 소비화된 현대미술 속에서 “작가는 끊임없는 변화를 적극적으로 수용하고 자신의 예술로서 미술시장에 동참하는 주체가 되어야 하는가” 라는 의문에 기반을 두고 있습니다. 때로는 작업을 시작하기도 전에 창의적 사고를 바탕으로 한 창작이 아닌 새로운 작품 자체를 요구 받거나 혹은 스스로에게 강요하는 일들이 빈번히 일어납니다. 새롭게 제작된 작업은 또 다른 기회를 가져오고, 이 같은 속도와 행위의 반복 속에서 안도감마저 느끼기도 합니다. 그럼에도 상품과 같이 생산과 소비, 폐기되는 과정이 되풀이 되는 것을 보며 시장화 된 미술계에 대한 관찰이나 자각 없이, 타협하고 순응하고 있는 것이 아닌지 관해 자문해 볼 필요가 있다고 생각했습니다. 미술시장에 관한 이러한 질문은 예술가에게 어떤 의미가 있는지, 미술로 우리가 추구해야할 본질이란 아직 존재 하는지에 관한 이야기들을 시작하는 첫 번째 작업이 될 것 같습니다. 이전 작업들과 마찬가지로 공간을 차용하여 이야기를 진행하는 방식은 계속 이어 나갈 예정이며 단지 내용적인 면에서 내면을 지향하던 방향과 사회적 현실을 다루었던 두 개의 개별적 시선이 이번 작업에서 동일한 시선으로 자연스럽게 뒤섞여 표현 되는 점이 차이라고 볼 수 있겠습니다.
Kim, Jang-Un (art critic and independent curator) Interested in the phenomenon where a space becomes meaningful and re-contextualized in society or for people in a society, Do Sujin wants to talk about among about the individuals and society. This interview was conducted via email following two meetings we had. Kim, Jang-Un(Kim) What if we begin with a story about the word of 'room'? In 2010, the paintings of Johannes Vermeer, “Painter in his Studio (1665-1668)” and Diego Velázquez's “Las Meninas (1656)” presented images after excluding the figures of the individuals and named it “room.” (“The Room I, II” (2010)) The two paintings seem to embody a rich allegory, which seems to have focused on the room as a space, and also seems to explore the room as a physical space. I wonder how you were drawn to the space called “the room.”
Do Sujin (hereinafter referred to as “Do”) My interest in space started with planning a work project named “The Rooms (2010).” This was a work of 13 different rooms that I have lived in different areas, separated from the building, modeled and stacked one after another. A room is a place where personal events and situations are cherished, and I thought it was a medium of memory that can help to identify my present self (identity) in connection with the past. There were times when I have not been able to remember the past, and I was in an uneasy situation. Yet, I had a feeling of being very secure psychologically by regaining memories through the rooms I used to live in the past. In this context, I think that room is not a mere interest in the physical space, but rather an interest in the memory of the individual that permeates the architectural space, and that it connotes the intention to re-recognize itself through it. In the work of “The Room I, II (2010),” I tried to make the blank space itself look like the protagonist by removing the figure from the two well known paintings. The space in “Las Meninas (1656)” was also used as a workshop of the painter, which was the room of Prince Carlos who died at the age of 17, and it was where the portrait of Princess Margarita and the portrait of the King and the Queen was completed. In “Painter in his Studio,” Vermeer made references to specific Dutch historical events through objects such as spaces in the painting, map, paper, and chandeliers, among others, and further attempted to show his perception of the history. The atelier of the artist in the two places remembers the artist's original work process, pride as a painter, and the historical events. In the painting where the character disappears, the space is emphasized as the subject which remembers the event, and at the same time, it was an experimentation to see if the paintings can suggest or even enable imaginations of the times before and after the event.
Kim In “The Rooms (2010),” “The Floating Rooms (2011),” and “The Blocks (2013),” the structures of the same room are stacked vertically. Is there any special reason?
Do “The Floating Rooms (2011)” and “The Blocks (2013)” are a series of “The Rooms (2010),” which are also a reconstruction of he rooms that I had once lived in since my childhood. It separates the entire or selected rooms from the original architecture and builds up memorial archives and a monument of the individual as piled up like a tower through the process of accumulating the collapsed spaces like a collage. I expected that it would play the same role as a self portrait of a painter or a monument portraying the identity of the artist through the structure of the vertically stacked spaces carrying the different times and memories.
Kim “Goshiwon (2014)” is a work comprised of a reduced room structure and wall text. I am curious as to how you proceeded with this work.
Do When we observe buildings such as condominiums, churches and motels, the structure and values of this society are newly recognized. Goshiwon is also a characteristic building that exists in Korea. The original purpose of it for the exam taking individuals who were preparing for the exams or civil service exams merely changed its name, and the unstable residential facilities for the low wage workers and the elderly, and the names attached to these dense places where there is no room for even a single window at the time and their inconsistencies (such as Newcastle, Goldenville, Prada, Fame, and what not) attracted my attention. Unlike the structure of the rooms where they sit side by side and look in the same direction, the individuals inside these rooms are isolated from each other like an island, knowing that they hide their stories and are reluctant to even look into each others’ eyes. I tried to express the gaps between the reality and ideals by arranging the names of the success or achievement, heterogeneous and idealized names with the other form of spaces called small rooms, inns, and vinyl house villages.
Kim On the other hand, “Motel Paradise (2014)” arranges the components of the motel without a device that divides the rooms of the motel unlike “Goshiwon.” I wonder if there was any change of interest in the room, the space, and the objects that make up the space.
Do The general motel’s exterior is often decorated with neon sign boards and ornamentations, or even with idealistic names to allow people to recognize the motel from a distance. There are even castles that could be seen in Europe and the Middle East, and some have inexplicable facades. In contrast, parking lots and internal structures are very closed and secured against the outside. Rather than building the space itself to express this double-sidedness, I thought it would be more effective to organize the space by selecting characteristic objects such as parking lot, palm trees, and round beds that suggest or symbolize the motel. “Goshiwon and “Motel Paradise“ can be seen to have slightly different expressions and installation configurations depending on the theme, but I recall that there was not much change in my perception of the space at the fundamental level.
Kim “In Yellow Sunshine (2012),” is it a work done on the light penetrating the room?
Do Yes. “Yellow Sunshine” has a yellow light painted on a flat surface in a three dimensional reality space. This is a work that was created in a place where it was the actual residential space in the way that the colors painted in two dimensions cross each other in the three dimensional space.
Kim On the other hand, I think it seems that there was an interest in the point of view in the work. “Up on the Roof (2013)” seemed like an experiment that proceeded in earnest towards a certain point of view. Naturally, there is also a point of interest in “Room I, II,” which I previously asked you about. In addition, interms of seeing oneself, it may be related to “Narcissus's Lake I, II (2011/12).” How does the point of view become meaningful as the space is explored?
Do It is apparent that each task has a different point of view. “The Rooms” has a long point of view from a distance and is designed to look into and enter inside “Up on the Roof (2013).” Whereas, “Room I, II” reconstructs the space in which the memory is stored by removing the person who has a meaning in the space. In “Narcissus's Lake I, II,” it was a task of transplanting and assigning certain meanings to an empty space that is not related to one’s self and observing it. Some of the works outside the monumental form of “The Rooms” have a point of view for looking into one’s self. These points of view attempt to trace the memories stored in the space, and I think about whether the attitude to visit one’s self or to recognize or prescribe it is unconsciously projected.
Kim You could feel the influence of Michael Craig-Martin in some of the expressions of the work. What do you think this visual language is creating in your work?
Do This work was attempted for the first time at an exhibition at "Treppenhaus" in Münster, Germany. The image was attached to the exterior wall of the glass with a tinting paper, and in the daytime according to the direction of the light, and it was transmitted from the outside to the inside of the building and at night from the inside to the outside. Stained glass, which deals with specific stories such as the anecdotes of saints and the Bible, is characterized by its distinctive architecture with a glass front (although it is also expressed as an abstract pattern) and is effective in telling individual stories with the image and the intense color of the room. In that process, I embraced the simplified form and color representations of Michael Craig-Martin as well as those of Roy Lichtenstein and Julian Opie. You can find works created in this pop art format in the project of “Floating House," one that which was conducted at Taehwa River. I think that the moving form of tthe structure was effective in conveying the painted image that was strongly contrasted with the surrounding nature or the realistic sceneries.
Kim "What Is Good Is Good (2017)“ will be shown for the first time. I wonder why you came to consider this work. I would also like to know what connections and disconnections are made with the other preceding works.
Do The works that have been carried out so far mainly consist of space. Through the process of recognizing, separating andrearranging the space as a place where individual memories are stored or the values of society are reflected, I have organized the boundaries between the individuals and society. I borrowed a certain space and the same space as the present monument with a mixture of reality and illusion, expressed contradiction and disharmony, and reflected the concerns and struggles as to whether that point might be a reality. "What Is Good Is Good" is based on the question of "Should the artist actively embrace the constant changes and become a subject to participate in the art market with her own art" in the consumerized contemporary art. Sometimes, even before I would start working, I was asked to create a new work, which was not a creation based on creative thinking, or even forced myself to do so. The newly created work brings another opportunity, and I feel relieved amidst the speed and the repetition of these actions. Nevertheless, I thought that it was necessaryto question whether the production, the consumption and the disposal process like the commodity are repeated, and whether I was compromising and conforming without observing and being aware of the consumerized art world. These questions about the art market are likely to be the first work to start talking about what it means for an artist and whether the essence of art continues to exist. As with the previous works, I intend to continue the method of borrowing the space, except that the two separate points of view that deal with the inner direction of the contents and the social reality would be different from the future work in which the two separate points of view are naturally mixed under the same point of view.